29. APRIL - 1. MAI 2011
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Eröffnung mit Preisverleihung: Freitag, 29. April, 19 Uhr, Mensa Dürerstrasse 10
anschließend Rundgang-Party ab 22 Uhr, Daimlerstrasse 32 – 36
Öffnungszeiten der Ausstellung: Freitag - Sonntag, 10-20 Uhr
Der Eintritt ist frei
Einmal im Jahr öffnet die Städelschule, einer der weltweit führenden Kunsthochschulen, ihre Türen der Öffentlichkeit. Drei Tage lang werden die Kunststudierenden ihre aktuellen Arbeiten in den Ateliers zeigen, die Videokünstler und Filmemacher präsentieren ihre neuesten Produktionen in einem speziellen Filmprogramm.
Der Rundgang ist eines der beliebtesten Kunst-Events in Frankfurt geworden. Im Jahr 2010 nahmen mehr als 15.000 Besucher die Möglichkeit wahr, die Städelschule, ihre Professoren und Studierenden kennenzulernen. Im Jahr 2011 werden rund 190 Studenten aus den Klassen von Douglas Gordon, Judith Hopf, Michael Krebber, Christa Näher, Tobias Rehberger, Willem de Rooij, Simon Starling und Ben van Berkel ihre Werke in der kürzlich renovierten Städelschule ausstellen.
Highlights:
Freitag, 29. April
19 Uhr Eröffnung und Preisverleihung
Moderation: Graziano Capitta, Mensa
Bernbeck-Stiftung Förderpreis / Jürgen H. Conzelmann Preis / PRE Real Estate Deutschland Preis / Rentenbank Preis / Stylepark Preis / Linklaters Preis / Ernst & Young Preis
Jury: Clémentine Deliss und Douglas Gordon
22 Uhr Rundgang Party, Daimlerstraße 32
mit Philip Berg, Sergio Casariva, Ata Macias und Michael Satter
Eintritt: 6 €
Samstag, 30. April
14 Uhr Douglas Gordon und Nikolaus Hirsch im Gespräch, Aula
16 Uhr Vortrag: Jan Verwoert "Corruption. Care. Magic." Aula
Beyond the structures of social institutions and the theatre of political representation what other, less visible, or invisible conditions for the production of society can be found in corruption, care and magic? and how could art tap into them?
Jan Verwoert is a writer, based in Berlin, he is a contributing editor of frieze magazine and teaches at the Piet Zwart Institute Rotterdam, the Hamidrasha School of Art, Tel Aviv and the DeAppel Curatorial Programme, Amsterdam. A volume of his collected writings Tell Me What You Want What You Really Really Want has recently been published by Sternberg Press/Piet Zwart Institute.
(Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt)
17 Uhr "Hair of the Dog" Bloody Mary - Piano Bar, Küche Filmklasse
Sonntag, 1. Mai
12 Uhr "Daimler Matinée" Daimlerstraße 32
Weitere Informationen zum Filmprogramm und Performances entnehmen Sie bitte dem ausliegenden Programm.
Kulinarisch:
Es gibt durchgehend kalte und warme Küche in der Dürer- und Daimlerstrasse
Service:
Die Bibliothek der Städelschule hat während des Rundgangs von 10 - 18 Uhr geöffnet.
Publikationen und Editionen sind dort erhältlich, sowie weitere Informationen über die Städelschule.
Samstags und Sonntags von 11 - 20 Uhr verkehren kostenlose Shuttlebusse zwischen Daimlerstrasse und Dürerstrasse.
Wir freuen uns auf Ihr Kommen!
Der "Rundgang 2011" wird unterstützt von:
Hans und Stefan Bernbeck-Stiftung
Rechtsanwalt Jürgen H. Conzelmann
Ernst & Young GmbH
Frankfurter Volksbank
PRE Real Estate Deutschland 1aps
Landwirtschaftliche Rentenbank
Linklaters LLP
satis & fy AG
Städelschule Portikus e.V.
Stylepark AG
Mittwoch, 27. April 2011
Montag, 18. April 2011
Josef Strau
Vortrag
Josef Strau
Dienstag, 19. April 2011, 19 Uhr, Aula
Josef Strau, geboren 1957, ist Künstler und Schriftsteller in Berlin.
Er ist Gründer und Organisator der Galerie Meerrettich im Pavillon am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin. 1990 -93 initiierte er zusammen mit Stefan Dillemuth "Friesenwall 120" in Köln. 2010 zeigte er die Ausstellung "The Why Does This All Happen To Me Experience" im House of Gaga, Mexico City und "Vienna and Jerusalem" (mit Martin Guttman), Pro Choice, Wien.
Während der vergangenen Jahre hat Josef Strau an Formen einer unmittelbaren Verbindung von seinen Texten und einigen seiner Ausstellungsobjekte gearbeitet: Für verschiedene Gruppenausstellungen sind so genannte „Leselampen“ entstanden, die auch als eine Art Werbe-Objekt für seine Texte fungieren. Als erste Lampe wurde 2004 die „Das Jahr im Rückblick“-Lampe im Pavillon der Galerie Meerrettich gezeigt. Die „Lampe für einen Baudelaire-Tag in Berlin“ stand 2004 in einer Ausstellung bei Daniel Buchholz in Köln. Auf der Sonderausstellung „Open Space“ der Art Cologne (2005) zeigte Josef Strau in der Präsentation der Galerie Meerrettich die Lampe „Dear Little Tiger“. „Die weiße Leselampe“ wurde schließlich in die von Tobias Buche kuratierte Gruppenausstellung „The Gone Wait“ in der Gagosian Gallery Berlin (2005) integriert.
Josef Strau über Koinzidenz:
“… It is somewhere, and it often becomes coincidences, which decide this starting point - these are also the best texts. The more I work intentionally, the worse the texts become. The more the texts were written on coincidences, the more the texts kept developing. So the coincidence is like the mysterious starting point. (…) I try to avoid the classic authorship (…) it doesn’t mean, that it cannot be autobiographical, but I want somehow the reality which my works refer to, doesn’t not come from me, but from the outside by coincidence…
For some years I didn’t really work as an artist, almost giving up, but then I did Galerie Meerrettich, and then, for many reasons I suddenly became interested in making and producing again, more than I was ever before. There was this writing phenomenon that I really wanted to focus on. (It) was a coincidence as well, (…) I thought, maybe I should try… and then it created this thing, - I’m afraid in a kind of slightly humorous way – about art and economy, dealing with the realities like, that art has a very different economy than writing – you cannot sell text objects as you can sell an art object immediately. I suddenly realized, that I had to look more into this business side of the whole thing as well…”
Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt.
Josef Strau
Dienstag, 19. April 2011, 19 Uhr, Aula
Josef Strau, geboren 1957, ist Künstler und Schriftsteller in Berlin.
Er ist Gründer und Organisator der Galerie Meerrettich im Pavillon am Rosa-Luxemburg-Platz in Berlin. 1990 -93 initiierte er zusammen mit Stefan Dillemuth "Friesenwall 120" in Köln. 2010 zeigte er die Ausstellung "The Why Does This All Happen To Me Experience" im House of Gaga, Mexico City und "Vienna and Jerusalem" (mit Martin Guttman), Pro Choice, Wien.
Während der vergangenen Jahre hat Josef Strau an Formen einer unmittelbaren Verbindung von seinen Texten und einigen seiner Ausstellungsobjekte gearbeitet: Für verschiedene Gruppenausstellungen sind so genannte „Leselampen“ entstanden, die auch als eine Art Werbe-Objekt für seine Texte fungieren. Als erste Lampe wurde 2004 die „Das Jahr im Rückblick“-Lampe im Pavillon der Galerie Meerrettich gezeigt. Die „Lampe für einen Baudelaire-Tag in Berlin“ stand 2004 in einer Ausstellung bei Daniel Buchholz in Köln. Auf der Sonderausstellung „Open Space“ der Art Cologne (2005) zeigte Josef Strau in der Präsentation der Galerie Meerrettich die Lampe „Dear Little Tiger“. „Die weiße Leselampe“ wurde schließlich in die von Tobias Buche kuratierte Gruppenausstellung „The Gone Wait“ in der Gagosian Gallery Berlin (2005) integriert.
Josef Strau über Koinzidenz:
“… It is somewhere, and it often becomes coincidences, which decide this starting point - these are also the best texts. The more I work intentionally, the worse the texts become. The more the texts were written on coincidences, the more the texts kept developing. So the coincidence is like the mysterious starting point. (…) I try to avoid the classic authorship (…) it doesn’t mean, that it cannot be autobiographical, but I want somehow the reality which my works refer to, doesn’t not come from me, but from the outside by coincidence…
For some years I didn’t really work as an artist, almost giving up, but then I did Galerie Meerrettich, and then, for many reasons I suddenly became interested in making and producing again, more than I was ever before. There was this writing phenomenon that I really wanted to focus on. (It) was a coincidence as well, (…) I thought, maybe I should try… and then it created this thing, - I’m afraid in a kind of slightly humorous way – about art and economy, dealing with the realities like, that art has a very different economy than writing – you cannot sell text objects as you can sell an art object immediately. I suddenly realized, that I had to look more into this business side of the whole thing as well…”
Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt.
Dienstag, 15. März 2011
Globe: Rabih Mroué
Three evenings with Rabih Mroué and friends
Diana Allan (Beirut) Tony Chakar (Beirut) Simon Haber (Beirut) Joana Hadjithomas (Paris) Khalil Joreige (Paris) Lamia Joreige (Beirut) Ziad Nawfal (Beirut)
Maher Abi Samra (Beirut) Scrambled Eggs (Beirut)
Mittwoch, 13. April - Freitag, 15. April 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance / Eine Initiative der Deutschen Bank in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 13. April
17:00 – 19:00 Ziad Nawfal, 96.2 FM Radio Lebanon / live Radio
19:00 – 20:30 Tony Chakar The Eighth Day / Talk
21:30 – 22:30 Rabih Mroué, Make me stop smoking / Lecture performance
Donnerstag 14. April
17:00 – 18:30 Ziad Nawfal, Beirut‘s alternative music scene / Lecture performance
19:00 – 21:00 Simon Haber, The One Man Village / Film
21:30 – 22:30 Rabih Mroué, The inhabitants of images / Lecture performance
Freitag 15. April
18:00 – 19:00 Maher Abi Samra, Lamia Joreige, Diana Allan, Merely Smell, Journey, Still Life / Film
19:30 – 21:00 Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Aida sauve-moi / Lecture performance
21:30 – 22:30 Scrambled Eggs, Jackpot Blues part I + II / Music
Rabih Mroué (born 1967) is an actor, director, playwright, visual artist, and a contributing editor of The Drama Review (TDR) as well as a co-founder and board member of the Beirut Art Center (BAC), Beirut. Recent exhibitions include "I the Undersigned" at BAK (Utrecht, 2010), Performa 09 (New York, 2009), 11th International Istanbul Biennial (2009), "Tarjama/Translation" at Queens Museum of Art (New York, 2009), Sjarjah Biennial (2009), "Soft Manipulation – Who is afraid of the new now?" at Casino Luxembourg (2008) and "Medium Religion" at ZKM (Karlsruhe, 2008). Mroué lives and works in Beirut.
Rabih Mroué engages with cultural and political processes.
His meticulously staged theatrical performances
and videos explore relationships between different artistic
languages and the interaction between performer and
audience. For “Globe” Mroué invited his friends from Beirut.
Alternative Sounds characterize Ziad Nawfal’s live
broadcast for Radio Lebanon and a concert by Scrambled
Eggs, one of the most distinguished young Beirut rock
bands. Films by Simon Haber, Maher Abi Samra, Lamia
Joreige, and Diana Allan will be shown, and a performance
by the filmmakers Joana Hadjithomas and Khalil Joreige
will be staged. The program moreover includes lectures
by Rabih Mroué and a talk by the artist, architect, and
essayist Tony Chakar.
Globe is not an exhibition in the traditional sense, but rather a flexible space that allows for a series of scenarios focused on moving images, performative events and talks that unfold during seven weeks in a temporary space at the ground floor of the Deutsche Bank Towers. Each week will be shaped by a different international artist and his or her guests.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Weitere Informationen unter
www.db.com/globe
und
www.db-artmag.de/en/64/feature/globe-for-frankfurt-and-the-world-the-art-and-performance-progr/
Diana Allan (Beirut) Tony Chakar (Beirut) Simon Haber (Beirut) Joana Hadjithomas (Paris) Khalil Joreige (Paris) Lamia Joreige (Beirut) Ziad Nawfal (Beirut)
Maher Abi Samra (Beirut) Scrambled Eggs (Beirut)
Mittwoch, 13. April - Freitag, 15. April 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance / Eine Initiative der Deutschen Bank in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 13. April
17:00 – 19:00 Ziad Nawfal, 96.2 FM Radio Lebanon / live Radio
19:00 – 20:30 Tony Chakar The Eighth Day / Talk
21:30 – 22:30 Rabih Mroué, Make me stop smoking / Lecture performance
Donnerstag 14. April
17:00 – 18:30 Ziad Nawfal, Beirut‘s alternative music scene / Lecture performance
19:00 – 21:00 Simon Haber, The One Man Village / Film
21:30 – 22:30 Rabih Mroué, The inhabitants of images / Lecture performance
Freitag 15. April
18:00 – 19:00 Maher Abi Samra, Lamia Joreige, Diana Allan, Merely Smell, Journey, Still Life / Film
19:30 – 21:00 Joana Hadjithomas & Khalil Joreige, Aida sauve-moi / Lecture performance
21:30 – 22:30 Scrambled Eggs, Jackpot Blues part I + II / Music
Rabih Mroué (born 1967) is an actor, director, playwright, visual artist, and a contributing editor of The Drama Review (TDR) as well as a co-founder and board member of the Beirut Art Center (BAC), Beirut. Recent exhibitions include "I the Undersigned" at BAK (Utrecht, 2010), Performa 09 (New York, 2009), 11th International Istanbul Biennial (2009), "Tarjama/Translation" at Queens Museum of Art (New York, 2009), Sjarjah Biennial (2009), "Soft Manipulation – Who is afraid of the new now?" at Casino Luxembourg (2008) and "Medium Religion" at ZKM (Karlsruhe, 2008). Mroué lives and works in Beirut.
Rabih Mroué engages with cultural and political processes.
His meticulously staged theatrical performances
and videos explore relationships between different artistic
languages and the interaction between performer and
audience. For “Globe” Mroué invited his friends from Beirut.
Alternative Sounds characterize Ziad Nawfal’s live
broadcast for Radio Lebanon and a concert by Scrambled
Eggs, one of the most distinguished young Beirut rock
bands. Films by Simon Haber, Maher Abi Samra, Lamia
Joreige, and Diana Allan will be shown, and a performance
by the filmmakers Joana Hadjithomas and Khalil Joreige
will be staged. The program moreover includes lectures
by Rabih Mroué and a talk by the artist, architect, and
essayist Tony Chakar.
Globe is not an exhibition in the traditional sense, but rather a flexible space that allows for a series of scenarios focused on moving images, performative events and talks that unfold during seven weeks in a temporary space at the ground floor of the Deutsche Bank Towers. Each week will be shaped by a different international artist and his or her guests.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Weitere Informationen unter
www.db.com/globe
und
www.db-artmag.de/en/64/feature/globe-for-frankfurt-and-the-world-the-art-and-performance-progr/
Globe: Ei Arakawa
Reorienting Orientationalism, New Directions (Haircolour) International Class 2011
Mit Henning Bohl (Berlin) Yuki Kimura (Kyoto) Q Takeki Maeda (Berlin/Kyoto) Mélanie Mermod (Paris) Ken Okiishi (New York City) Carissa Rodriguez (New York City) Sergei Tcherepnin (New York City)
Mittwoch, 06. April - Freitag, 08. April 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 06. März
17:00 – 00:00 Mélanie Mermod, Ei Arakawa, Jikken Kobo: Experimental Workshop / Exhibition
19:00 – 20:00 January 2011 Tokyo / Film
20:00 – 20:30 Ei Arakawa, Carissa Rodriguez, The One Inside (Spring Version) / Performance & Installation
20:30 – 00:00 Ken Okiishi, Ei Arakawa, Henning Bohl, Carissa Rodriguez, Sergei Tcherepnin,Yuki Kimura, Q Takeki Maeda, Mélanie Mermod / Performance
Donnerstag 07. März
17:00 – 00:00 Mélanie Mermod, Ei Arakawa, Jikken Kobo: Experimental Workshop / Exhibition Carissa Rodriguez, Left Over | Exhibition
19:00 – 20:00 February 2011 Mito / Film
20:00 – 20:45 Ei Arakawa, Henning Bohl, Sergei Tcherepnin, Reorienting Orientationalism, New Directions (haircolour), International Class 2011 / Performance & Music
20:45 – 00:00 Programm vom 06.04, For the program on April 6
Freitag 08. April
17:00 – 00:00 Carissa Rodriguez, Henning Bohl, Sergei Tcherepnin, Left Over / Exhibition Mélanie Mermod, Ei Arakawa, Jikken Kobo: Experimental Workshop / Exhibition
19:00 – 20:00 March 2011 Osaka / Film
20:00 – 20:45 Ei Arakawa, Yuki Kimura, Q Takeki Maeda, True Urgent Talk / Performance & Installation
20:45 – 00:00 Programm vom 06.04, For the program on April 6
Ei Arakawa‘s performances move between action and
ceremony. With different materials such as video films,
banners, and posters, which “illustrate” choreographies,
he creates situations in which the boundaries between
actor and audience disappear. In Frankfurt, he and his
friends will articulate the cultural and aesthetic transfer
between Japan and the Western art scene. All guests
recently visited Japan in order to develop this project.
The program consists of performances, talks, concerts,
and films by the artists Henning Bohl, Carissa Rodriguez,
Q Takeki Maeda, Yuki Kimura, Mélanie Mermod, Ken
Okiishi, and the New York composer Sergei Tcherepnin.
It will be supplemented by daily changing exhibitions and
a project on the legendary Japanese artists’ group Jikken
Kobo from the early 1950s.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Mit Henning Bohl (Berlin) Yuki Kimura (Kyoto) Q Takeki Maeda (Berlin/Kyoto) Mélanie Mermod (Paris) Ken Okiishi (New York City) Carissa Rodriguez (New York City) Sergei Tcherepnin (New York City)
Mittwoch, 06. April - Freitag, 08. April 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 06. März
17:00 – 00:00 Mélanie Mermod, Ei Arakawa, Jikken Kobo: Experimental Workshop / Exhibition
19:00 – 20:00 January 2011 Tokyo / Film
20:00 – 20:30 Ei Arakawa, Carissa Rodriguez, The One Inside (Spring Version) / Performance & Installation
20:30 – 00:00 Ken Okiishi, Ei Arakawa, Henning Bohl, Carissa Rodriguez, Sergei Tcherepnin,Yuki Kimura, Q Takeki Maeda, Mélanie Mermod / Performance
Donnerstag 07. März
17:00 – 00:00 Mélanie Mermod, Ei Arakawa, Jikken Kobo: Experimental Workshop / Exhibition Carissa Rodriguez, Left Over | Exhibition
19:00 – 20:00 February 2011 Mito / Film
20:00 – 20:45 Ei Arakawa, Henning Bohl, Sergei Tcherepnin, Reorienting Orientationalism, New Directions (haircolour), International Class 2011 / Performance & Music
20:45 – 00:00 Programm vom 06.04, For the program on April 6
Freitag 08. April
17:00 – 00:00 Carissa Rodriguez, Henning Bohl, Sergei Tcherepnin, Left Over / Exhibition Mélanie Mermod, Ei Arakawa, Jikken Kobo: Experimental Workshop / Exhibition
19:00 – 20:00 March 2011 Osaka / Film
20:00 – 20:45 Ei Arakawa, Yuki Kimura, Q Takeki Maeda, True Urgent Talk / Performance & Installation
20:45 – 00:00 Programm vom 06.04, For the program on April 6
Ei Arakawa‘s performances move between action and
ceremony. With different materials such as video films,
banners, and posters, which “illustrate” choreographies,
he creates situations in which the boundaries between
actor and audience disappear. In Frankfurt, he and his
friends will articulate the cultural and aesthetic transfer
between Japan and the Western art scene. All guests
recently visited Japan in order to develop this project.
The program consists of performances, talks, concerts,
and films by the artists Henning Bohl, Carissa Rodriguez,
Q Takeki Maeda, Yuki Kimura, Mélanie Mermod, Ken
Okiishi, and the New York composer Sergei Tcherepnin.
It will be supplemented by daily changing exhibitions and
a project on the legendary Japanese artists’ group Jikken
Kobo from the early 1950s.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Globe: Cao Fei
A Three Days Treatment
Mit Daniel Birnbaum (Stockholm)
Cao Chong’en (Guangzhou/Vancouver)
He Yufan (Beijing)
Nikolaus Hirsch (Frankfurt am Main)
Huang He (Guangzhou)
Huang Shan (Guangzhou)
Jiang Jun (Beijing)
Jiang Zhi (Beijing/Shenzhen)
Zafka Zhang (Beijing)
Zhang Wei (Beijing/Guangzhou)
Mittwoch, 30. März - Freitag, 01. April 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 30. März
17:00 – 00:00 Cao Fei / Film
19:00 – 20:00 China Tracy, Coffee Yoga - Class One: Decaf
19:30 – 21:30 Cao Chong‘en, Clay & Belief / Live Sculpturing
22:00 – 23:30 Cao Fei, Father / Film
Donnerstag 31. März
17:00 – 00:00 Cao Fei / Film
19:00 – 20:00 He Yufan, Jiang Jun, Zafka Zhang, Coffee Yoga - Class Two: Double Espresso
20:00 – 21:15 Nikolaus Hirsch, Daniel Birnbaum, Cao Fei, Zhang Wei, Jiang Zhi, The Pavilion / Talk
21:45 – 22:30 Jiang Zhi, Moment / Film
Freitag 01. April
17:00 – 00:00 Cao Fei / Film
19:00 – 20:00 Coffee Yoga – Class Three: Black Coffee
20:00 – 21:00 Huang Shan, Huang He / Fengshui Performance
21:30 – 22:30 Cao Fei, i Mirror, Live in RMB City / Film
23:00 – 00:00 Zafka Zhang | Music
In her installations, Cao Fei combines influences of global
pop culture with elements from the Peking Opera and
dance. She works with film and animation, as well as on the
internet. She realized her project RMB City on “Second Life”,
as a utopian city where avatar China Tracy acts. For “Globe”
Cao Fei will introduce a completely new artistic practice:
visitors can practice coffee yoga with China Tracy and experience
what the Frankfurt School and Zen have in common.
In addition to the performance Two as One by He Yufan
and Jiang Jun the program includes a live sculpturing by
Cao Chong'en, music by Zafka Zhang, a Fengshui-performance
by Huang Shan and Huang He as well as the discussion
The Pavilion. Cao Fei talks with Daniel Birnbaum,
director of the Moderna Museet, Nikolaus Hirsch, rector
of the Städelschule, Beijing artist Jian Zhi and Zhang Wei,
director of Vitamin Creative Space, Guangzhou.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Mit Daniel Birnbaum (Stockholm)
Cao Chong’en (Guangzhou/Vancouver)
He Yufan (Beijing)
Nikolaus Hirsch (Frankfurt am Main)
Huang He (Guangzhou)
Huang Shan (Guangzhou)
Jiang Jun (Beijing)
Jiang Zhi (Beijing/Shenzhen)
Zafka Zhang (Beijing)
Zhang Wei (Beijing/Guangzhou)
Mittwoch, 30. März - Freitag, 01. April 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 30. März
17:00 – 00:00 Cao Fei / Film
19:00 – 20:00 China Tracy, Coffee Yoga - Class One: Decaf
19:30 – 21:30 Cao Chong‘en, Clay & Belief / Live Sculpturing
22:00 – 23:30 Cao Fei, Father / Film
Donnerstag 31. März
17:00 – 00:00 Cao Fei / Film
19:00 – 20:00 He Yufan, Jiang Jun, Zafka Zhang, Coffee Yoga - Class Two: Double Espresso
20:00 – 21:15 Nikolaus Hirsch, Daniel Birnbaum, Cao Fei, Zhang Wei, Jiang Zhi, The Pavilion / Talk
21:45 – 22:30 Jiang Zhi, Moment / Film
Freitag 01. April
17:00 – 00:00 Cao Fei / Film
19:00 – 20:00 Coffee Yoga – Class Three: Black Coffee
20:00 – 21:00 Huang Shan, Huang He / Fengshui Performance
21:30 – 22:30 Cao Fei, i Mirror, Live in RMB City / Film
23:00 – 00:00 Zafka Zhang | Music
In her installations, Cao Fei combines influences of global
pop culture with elements from the Peking Opera and
dance. She works with film and animation, as well as on the
internet. She realized her project RMB City on “Second Life”,
as a utopian city where avatar China Tracy acts. For “Globe”
Cao Fei will introduce a completely new artistic practice:
visitors can practice coffee yoga with China Tracy and experience
what the Frankfurt School and Zen have in common.
In addition to the performance Two as One by He Yufan
and Jiang Jun the program includes a live sculpturing by
Cao Chong'en, music by Zafka Zhang, a Fengshui-performance
by Huang Shan and Huang He as well as the discussion
The Pavilion. Cao Fei talks with Daniel Birnbaum,
director of the Moderna Museet, Nikolaus Hirsch, rector
of the Städelschule, Beijing artist Jian Zhi and Zhang Wei,
director of Vitamin Creative Space, Guangzhou.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Globe: Keren Cytter
Fear, Fun and Fire
Mit Charles Arsène-Henry (London) Diedrich Diederichsen (Berlin/Wien) Andrew Kerton (Berlin) Philipp Kleinmichel (Berlin) Dafna Maimon (Berlin) Maria and the Mirrors (London) John Maus (Minneapolis) Susie Meyer (Berlin) Fabian Stumm (Berlin)
Mittwoch, 23. März - Freitag, 25. März 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 23. März
19:00 – 19:45 Charles Arsène-Henry / Lecture performance
20:30 – 22:00 Keren Cytter, Don‘t touch me psychopath / Film (Premiere)
Donnerstag 24. März
19:00 – 19:45 Diedrich Diederichsen / Talk
20:15 – 20:45 Andrew Kerton & Dafna Maimon / Performance (Premiere)
21:30 – 22:30 Maria and the Mirrors / Music
Freitag 25. März
19:00 – 19:45 Philipp Kleinmichel / Talk
20:15 – 20:45 Keren Cytter, Showreal / Performance (Premiere)
21:30 – 22.30 John Maus / Music
The Israeli artist Keren Cytter shoots videos, choreographs dance performances, writes novellas, and has even penned an opera libretto. Her film works deal with human relationships and plumb the depths of the human psyche. They are assemblies of high- and pop-cultural quotations, citing classic movies, experimental films, and YouTube clips in equal measure. Cytter represents a young generation of artists who break all genre boundaries. Her three events are each devoted to one state or element under the motto "Fear, Fun and Fire." The author Charles Arsène-Henry and the premiere of Cytter's horror movie Don't Touch Me Psychopath instill fear. Critic and author Diedrich Diederichsen, the London punk band Maria and the Mirrors, and the performers Andrew Kerton and Dafna Maimon provide joy. The performers Susie Meyer and Fabian Stumm, cultural theorist Philipp Kleinmichel, and the music of underground star John Maus ignite.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Mit Charles Arsène-Henry (London) Diedrich Diederichsen (Berlin/Wien) Andrew Kerton (Berlin) Philipp Kleinmichel (Berlin) Dafna Maimon (Berlin) Maria and the Mirrors (London) John Maus (Minneapolis) Susie Meyer (Berlin) Fabian Stumm (Berlin)
Mittwoch, 23. März - Freitag, 25. März 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch 23. März
19:00 – 19:45 Charles Arsène-Henry / Lecture performance
20:30 – 22:00 Keren Cytter, Don‘t touch me psychopath / Film (Premiere)
Donnerstag 24. März
19:00 – 19:45 Diedrich Diederichsen / Talk
20:15 – 20:45 Andrew Kerton & Dafna Maimon / Performance (Premiere)
21:30 – 22:30 Maria and the Mirrors / Music
Freitag 25. März
19:00 – 19:45 Philipp Kleinmichel / Talk
20:15 – 20:45 Keren Cytter, Showreal / Performance (Premiere)
21:30 – 22.30 John Maus / Music
The Israeli artist Keren Cytter shoots videos, choreographs dance performances, writes novellas, and has even penned an opera libretto. Her film works deal with human relationships and plumb the depths of the human psyche. They are assemblies of high- and pop-cultural quotations, citing classic movies, experimental films, and YouTube clips in equal measure. Cytter represents a young generation of artists who break all genre boundaries. Her three events are each devoted to one state or element under the motto "Fear, Fun and Fire." The author Charles Arsène-Henry and the premiere of Cytter's horror movie Don't Touch Me Psychopath instill fear. Critic and author Diedrich Diederichsen, the London punk band Maria and the Mirrors, and the performers Andrew Kerton and Dafna Maimon provide joy. The performers Susie Meyer and Fabian Stumm, cultural theorist Philipp Kleinmichel, and the music of underground star John Maus ignite.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Globe: The Otolith Group
A Sunken Trembling, Recollected Dimly
Mit Lise Autogena, Rayya Badran, Justin Barton, Dopplereffekt, Mark Fisher, Reza Negarestani, Brian W. Rogers
Mittwoch, 16. März - Freitag, 18. März 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch, 16. März
18:00 – 18:30 NASDAQ: Vocal Index / Film
18:30 – 19:00 Samuel Stevens: Atlantropa / Film
19:00 – 20:00 Peter Hutton: At Sea / Film
20:00 – 21:00 Lise Autogena & The Otolith Group: Abstraction and System in an Age of Recessional Aesthetics / Talk
Donnerstag, 17. März
18:00 – 18:20 Brian W. Rogers, Nilofar Naraghi, Nazanin Naraghi, Aab va Garmaa / Film
18:30 – 19:00 The Otolith Group: Hydra Decapita / Film
19:00 – 20:00 The Otolith Group & Brian W. Rogers: Geoaesthetics, Terracentricity, Hydropolitics and Petropolitics / Talk
22:00 – 22:45 Werner Herzog: Lessons of Darkness / Film
Freitag, 18. März
18:00 – 18:30 The Otolith Group: The Secret King in the Empire of Thinking / Audio-essay
18:30 – 19:20 Mark Fisher: Radar Traces / Audio-essay
19:30 – 20:00 Mark Fisher & Justin Barton: LondonunderLondon / Audio-essay
19:30 – 20:00 Rayya Badran: (In)action / Audio-essay
21:00 – 22:00 Raya Baddran, Mark Fisher, Justin Barton & The Otolith Group: Radiophonic Terrains / Talk
22:00 – 22:45 Dopplereffekt / Concert
The films, curatorial projects, discussion platforms and publications of The Otolith Group explore the accumulated science fictions of the present in order to reflect upon the powers and capacities of historical futures. Founded in London in 2002, The Otolith Group consists of artist Anjalika Sagar and artist and writer Kodwo Eshun who teaches at Goldsmiths College in London and is the author of "More Brilliant than the Sun: Adventures in Sonic Fiction". The artists take their name from the otoliths – the calcium carbonate micro-crystals found within the inner ear that are responsible for balance. Their work was shown in solo exhibitions such as "A Long Time Between the Suns: Part I and Part II" (Gasworks and The Showroom, London, 2009) and "Thoughtform" (Macba Barcelona, 2011). Group exhibitions include Manifesta 8: The European Biennal of Contemporary Art, Murcia, (2010), Universes in Universe: 29th Sao Paolo Biennal (2010), the 7th Shanghai Biennale (2008), 2nd International Biennial of Contemporary Art of Seville (2006) and New British Art: Tate Triennial (2006). In 2010, The Otolith Group was nominated for the Turner Prize.
For "Globe" The Otolith Group has composed a program consisting of films, talks, audio-essays and a concert. Invited artists include Lise Autogena, theorist and filmmaker Brian W. Rogers, writer and theorist Rayya Badran, artist Justin Barton, critic, theorist, blogger and author Mark Fisher, Reza Negarestani, and legendary electronic music group Dopplereffekt.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Mit Lise Autogena, Rayya Badran, Justin Barton, Dopplereffekt, Mark Fisher, Reza Negarestani, Brian W. Rogers
Mittwoch, 16. März - Freitag, 18. März 2011, 18 - 24 Uhr
Globe - Art, Music and Performance in den Deutsche Bank-Türmen, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
Mittwoch, 16. März
18:00 – 18:30 NASDAQ: Vocal Index / Film
18:30 – 19:00 Samuel Stevens: Atlantropa / Film
19:00 – 20:00 Peter Hutton: At Sea / Film
20:00 – 21:00 Lise Autogena & The Otolith Group: Abstraction and System in an Age of Recessional Aesthetics / Talk
Donnerstag, 17. März
18:00 – 18:20 Brian W. Rogers, Nilofar Naraghi, Nazanin Naraghi, Aab va Garmaa / Film
18:30 – 19:00 The Otolith Group: Hydra Decapita / Film
19:00 – 20:00 The Otolith Group & Brian W. Rogers: Geoaesthetics, Terracentricity, Hydropolitics and Petropolitics / Talk
22:00 – 22:45 Werner Herzog: Lessons of Darkness / Film
Freitag, 18. März
18:00 – 18:30 The Otolith Group: The Secret King in the Empire of Thinking / Audio-essay
18:30 – 19:20 Mark Fisher: Radar Traces / Audio-essay
19:30 – 20:00 Mark Fisher & Justin Barton: LondonunderLondon / Audio-essay
19:30 – 20:00 Rayya Badran: (In)action / Audio-essay
21:00 – 22:00 Raya Baddran, Mark Fisher, Justin Barton & The Otolith Group: Radiophonic Terrains / Talk
22:00 – 22:45 Dopplereffekt / Concert
The films, curatorial projects, discussion platforms and publications of The Otolith Group explore the accumulated science fictions of the present in order to reflect upon the powers and capacities of historical futures. Founded in London in 2002, The Otolith Group consists of artist Anjalika Sagar and artist and writer Kodwo Eshun who teaches at Goldsmiths College in London and is the author of "More Brilliant than the Sun: Adventures in Sonic Fiction". The artists take their name from the otoliths – the calcium carbonate micro-crystals found within the inner ear that are responsible for balance. Their work was shown in solo exhibitions such as "A Long Time Between the Suns: Part I and Part II" (Gasworks and The Showroom, London, 2009) and "Thoughtform" (Macba Barcelona, 2011). Group exhibitions include Manifesta 8: The European Biennal of Contemporary Art, Murcia, (2010), Universes in Universe: 29th Sao Paolo Biennal (2010), the 7th Shanghai Biennale (2008), 2nd International Biennial of Contemporary Art of Seville (2006) and New British Art: Tate Triennial (2006). In 2010, The Otolith Group was nominated for the Turner Prize.
For "Globe" The Otolith Group has composed a program consisting of films, talks, audio-essays and a concert. Invited artists include Lise Autogena, theorist and filmmaker Brian W. Rogers, writer and theorist Rayya Badran, artist Justin Barton, critic, theorist, blogger and author Mark Fisher, Reza Negarestani, and legendary electronic music group Dopplereffekt.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Donnerstag, 3. März 2011
GLOBE
Apparatjik, Ei Arakawa, Cao Fei, Keren Cytter, Rabih Mroué, Planningtorock, The Otolith Group
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
2. März - 15. April 2011, Mittwoch - Freitag, 17 - 24 Uhr
im Erdgeschoss der Deutsche Bank Türme, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Globe is not an exhibition in the traditional sense, but rather a flexible space that allows for a series of scenarios focused on moving images, performative events and talks that will unfold during seven weeks in a temporary space at the ground floor of the Deutsche Bank towers. Each week will be shaped by a different international artist and his or her guests.
Apparatjik
Mittwoch, 2. März
17:00 – 18:00 apparat tv
18:00 – 19:00 Louise Lockwood, Parallel Worlds Film
19:00 – 19:30 Blacksmoke, The Danger Global Warming project Film
19:30 – 20:30 Apparatjik & Ute Meta Bauer, Sustaining Creativity. Creating Sustainability Talk
20:30 – 22:00 Apparatjik, Choral Piece feat. Max Tegmark Film (Premiere); On Multiverses, an interview with Max Tegmark Film (Premiere)
22:00 – 23:00 Ipad Disco Combat Performance (Premiere)
Donnerstag, 3. März
17:00 – 19:00 apparat tv
19:00 – 20:00 Laura Anderson Barbata, 21st Century Living in the Amazon: In the Order of Chaos Talk
20:00 – 21:00 Bruce Parry, Amazon, Survival International, Mine – Story of a Sacred Mountain, The Things They Said Film
21:00 – 22:00 Apparatjik, Laura Anderson Barbata & Linda Poppe Talk
22:00 – 23:00 Blacksmoke, The Danger Global Warming project Film
Freitag, 4. März
17:00 – 18:30 Lucy Walker: Waste Land Film
19:00 – 20:30 Holger Hagge, Nikolaus Hirsch, Joseph Grima, Building Cubes Talk
21:00 – 22:00 Talk Apparatjik, Holger Hagge, Nikolaus Hirsch & Joseph Grima
22:00 – 23:00 Apparatjik Ipad Disco Combat Performance
Apparatjik is a transdisciplinary working collective founded in 2008 by four world-renowned musicians: Jonas Bjerre (MEW), Guy Berryman (Coldplay), Magne Furuholmen (a-ha) and producer Martin Terefe. Apparatjik functions as an experimental platform and collaborates with media technicians, designers, and scientists. Ute Meta Bauer (MIT Program in Art, Culture and Technology) joins the collective as artistic director on special occasions.
Apparatjik's live debut took place in 2010 at the Berlin club WMF in a cube inspired by László Moholy-Nagy's legendary Light-Space-Modulator. Live Guests of Apparatjik are Mexican artist Laura Anderson Barbata; Linda Poppe, Survival International Germany; Holger Hagge, chief architect at Deutsche Bank; Nikolaus Hirsch, rector of Städelschule, Joseph Grima, editor-in-chief Domus magazine; and musician Erik Ljunggren.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Programm download
Robert Johnson Live Safer Bar feat. Tobias Rehberger
Kuratiert von Daniel Birnbaum, Nikolaus Hirsch, Judith Hopf, Willem de Rooij
2. März - 15. April 2011, Mittwoch - Freitag, 17 - 24 Uhr
im Erdgeschoss der Deutsche Bank Türme, Taunusanlage 12, 60325 Frankfurt
Globe is not an exhibition in the traditional sense, but rather a flexible space that allows for a series of scenarios focused on moving images, performative events and talks that will unfold during seven weeks in a temporary space at the ground floor of the Deutsche Bank towers. Each week will be shaped by a different international artist and his or her guests.
Apparatjik
Mittwoch, 2. März
17:00 – 18:00 apparat tv
18:00 – 19:00 Louise Lockwood, Parallel Worlds Film
19:00 – 19:30 Blacksmoke, The Danger Global Warming project Film
19:30 – 20:30 Apparatjik & Ute Meta Bauer, Sustaining Creativity. Creating Sustainability Talk
20:30 – 22:00 Apparatjik, Choral Piece feat. Max Tegmark Film (Premiere); On Multiverses, an interview with Max Tegmark Film (Premiere)
22:00 – 23:00 Ipad Disco Combat Performance (Premiere)
Donnerstag, 3. März
17:00 – 19:00 apparat tv
19:00 – 20:00 Laura Anderson Barbata, 21st Century Living in the Amazon: In the Order of Chaos Talk
20:00 – 21:00 Bruce Parry, Amazon, Survival International, Mine – Story of a Sacred Mountain, The Things They Said Film
21:00 – 22:00 Apparatjik, Laura Anderson Barbata & Linda Poppe Talk
22:00 – 23:00 Blacksmoke, The Danger Global Warming project Film
Freitag, 4. März
17:00 – 18:30 Lucy Walker: Waste Land Film
19:00 – 20:30 Holger Hagge, Nikolaus Hirsch, Joseph Grima, Building Cubes Talk
21:00 – 22:00 Talk Apparatjik, Holger Hagge, Nikolaus Hirsch & Joseph Grima
22:00 – 23:00 Apparatjik Ipad Disco Combat Performance
Apparatjik is a transdisciplinary working collective founded in 2008 by four world-renowned musicians: Jonas Bjerre (MEW), Guy Berryman (Coldplay), Magne Furuholmen (a-ha) and producer Martin Terefe. Apparatjik functions as an experimental platform and collaborates with media technicians, designers, and scientists. Ute Meta Bauer (MIT Program in Art, Culture and Technology) joins the collective as artistic director on special occasions.
Apparatjik's live debut took place in 2010 at the Berlin club WMF in a cube inspired by László Moholy-Nagy's legendary Light-Space-Modulator. Live Guests of Apparatjik are Mexican artist Laura Anderson Barbata; Linda Poppe, Survival International Germany; Holger Hagge, chief architect at Deutsche Bank; Nikolaus Hirsch, rector of Städelschule, Joseph Grima, editor-in-chief Domus magazine; and musician Erik Ljunggren.
Die Veranstaltungen finden in englischer Sprache statt.
Programm download
Samstag, 15. Januar 2011
Natascha Sadr Haghighian
Vortrag
Natascha Sadr Haghighian: looking awry - the geometry of a cross-eyed subject
Dienstag, 18. Januar 2011, 19 Uhr, Aula
„Recently it seemed necessary to reconstruct situations geometrically in order to understand why I sometimes suddenly start going cross-eyed in a strange sort of way. Not that I am seeing double; instead, a hole develops exactly in the middle of my field of vision. It permits me to look only at the margins of an event. What kinds of events do this to my vision and what happens on the margins of a visual event? This presentation tries to recap a few examples of such situations and discuss a potential practice of the cross-eyed subject.“
Natascha Sadr Haghighian was born in Sachsenheim, Germany in 1968 and lives and works in Great Britain. In 1985 he emigrated to the U.S.A. to set up a ranch. There he fell in love with a Drag Queen, with whom he still lives together. He has been working since 2002 as a freelance artist and living in the Cotswolds, Great Britain. Through his lover he discovered, and in time conquered the stage as Prince Greenhorn. He has been written about and portrayed photographically and in oil, among other things. (This biographical note is borrowed from www.bioswop.net)
Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt.
Natascha Sadr Haghighian: looking awry - the geometry of a cross-eyed subject
Dienstag, 18. Januar 2011, 19 Uhr, Aula
„Recently it seemed necessary to reconstruct situations geometrically in order to understand why I sometimes suddenly start going cross-eyed in a strange sort of way. Not that I am seeing double; instead, a hole develops exactly in the middle of my field of vision. It permits me to look only at the margins of an event. What kinds of events do this to my vision and what happens on the margins of a visual event? This presentation tries to recap a few examples of such situations and discuss a potential practice of the cross-eyed subject.“
Natascha Sadr Haghighian was born in Sachsenheim, Germany in 1968 and lives and works in Great Britain. In 1985 he emigrated to the U.S.A. to set up a ranch. There he fell in love with a Drag Queen, with whom he still lives together. He has been working since 2002 as a freelance artist and living in the Cotswolds, Great Britain. Through his lover he discovered, and in time conquered the stage as Prince Greenhorn. He has been written about and portrayed photographically and in oil, among other things. (This biographical note is borrowed from www.bioswop.net)
Die Veranstaltung findet in englischer Sprache statt.
Freitag, 14. Januar 2011
Atarimae-No-Koto (a matter of course)
Performance
Sadaharu Horio & KUKI: "Atarimae-No-Koto (a matter of course)"
Mi. 02.02.2011 19:00, Frankfurt LAB, Schmidtstr. 12, Frankfurt am Main
Eröffnung
Mittwoch 2. Februar 19-21h
Performance
Donnerstag 3. Februar 19-21h
Performance
Freitag, 4. Februar 17-19h
Performance
Samstag, 5. Februar 17-19h
Performance
Sonntag, 6. Februar 15-19h
Als Mitglied der legendären Avantgarde-Bewegung Gutai arbeitet der japanische Künstler Sadaharu Horio seit vielen Jahren unter dem allgemeinen Topos “Atarimae-no-koto” (a matter of course). Im Rahmen der Frankfurter Positionen 2011 entwickelt er ein Objekt, das sich als papierenes Faltbild umschreiben ließe. Den Prozess dorthin präsentiert er über fünf Tage hinweg gemeinsam mit Assistenten seines Teams „KUKI“. In einer Folge von Performances ohne im Voraus exakt festgeschriebene Abläufe, aber immer in konkretem Bezug auf den Raum und dessen Bedingungen bildet sich allmählich das Kunstwerk heraus. Die einzelnen Entstehungsphasen vom Falten eines Papiers in raumgreifendem Format bis zu experimentellen Formen des Farbauftrags werden für das Publikum sichtbar gemacht.
Sadaharu Horio & KUKI: "Atarimae-No-Koto (a matter of course)"
Mi. 02.02.2011 19:00, Frankfurt LAB, Schmidtstr. 12, Frankfurt am Main
Eröffnung
Mittwoch 2. Februar 19-21h
Performance
Donnerstag 3. Februar 19-21h
Performance
Freitag, 4. Februar 17-19h
Performance
Samstag, 5. Februar 17-19h
Performance
Sonntag, 6. Februar 15-19h
Als Mitglied der legendären Avantgarde-Bewegung Gutai arbeitet der japanische Künstler Sadaharu Horio seit vielen Jahren unter dem allgemeinen Topos “Atarimae-no-koto” (a matter of course). Im Rahmen der Frankfurter Positionen 2011 entwickelt er ein Objekt, das sich als papierenes Faltbild umschreiben ließe. Den Prozess dorthin präsentiert er über fünf Tage hinweg gemeinsam mit Assistenten seines Teams „KUKI“. In einer Folge von Performances ohne im Voraus exakt festgeschriebene Abläufe, aber immer in konkretem Bezug auf den Raum und dessen Bedingungen bildet sich allmählich das Kunstwerk heraus. Die einzelnen Entstehungsphasen vom Falten eines Papiers in raumgreifendem Format bis zu experimentellen Formen des Farbauftrags werden für das Publikum sichtbar gemacht.
The Frankfurt Conversation
Sonntag, 30. Januar 2011, ab 16 Uhr
im Chagallsaal Schauspiel Frankfurt
The Frankfurt Conversation
Hans Ulrich Obrist & Nikolaus Hirsch
Ein Projekt der Städelschule im Rahmen der Frankfurter Positionen 2011 - eine Initiative der BHF-BANK-Stiftung
Nach dem Vorbild des Serpentine Marathon, wie er seit 2005 in London und andernorts stattfindet, inszeniert der Kurator Hans Ulrich Obrist gemeinsam mit dem Städelschule-Rektor Nikolaus Hirsch "The Frankfurt Conversation". Frankfurterinnen und Frankfurter aus Kunst, Kultur und Wissenschaft werden jeweils eine Etappe des Gesprächs-Marathons übernehmen.
Hans Ulrich Obrist entwickelte die Idee zum inzwischen etablierten Interview-Marathon als experimentelle Form eines öffentlichen Events, das durch sein offenes Konzept eine Verknüpfung von Vortrag, Diskussion und Performance erlaubt. Der hybride Mix von Persönlichkeiten und ihren Präsentationsweisen lässt die verschiedenen Inhalte miteinander korrelieren und eröffnet neue Zusammenhänge.
Mit der Frankfurter Version eines Dauer-Gesprächs setzt Hans Ulrich Obrist jenes offene Format fort, das als Programm für die Serpentine Gallery Pavillion Commission entwickelt wurde: Seit 2000 präsentiert jährlich ein international renommierter Architekt oder Designer für die Dauer von drei Monaten seine Arbeit. – Ein Konzept, das von der Serpentine Gallery-Direktorin Julia Peyton-Jones veranlasst wurde und als regelmäßige, aber temporäre Struktur die Plattform für künstlerischen wie intellektuellen Austausch bietet. Dementsprechend fand der erste Londoner Gesprächs-Marathon unter Mitwirkung von Rem Koolhaas statt (2006), dann der so genannte Experimental Marathon (2007), Manifesto Marathon (2008), Poetry-Marathon (2009) sowie ein Mini-Marathon in Peking (Jahreswechsel 2008/2009) und Marathon Marathon in Athen (2010).
im Chagallsaal Schauspiel Frankfurt
The Frankfurt Conversation
Hans Ulrich Obrist & Nikolaus Hirsch
Ein Projekt der Städelschule im Rahmen der Frankfurter Positionen 2011 - eine Initiative der BHF-BANK-Stiftung
Nach dem Vorbild des Serpentine Marathon, wie er seit 2005 in London und andernorts stattfindet, inszeniert der Kurator Hans Ulrich Obrist gemeinsam mit dem Städelschule-Rektor Nikolaus Hirsch "The Frankfurt Conversation". Frankfurterinnen und Frankfurter aus Kunst, Kultur und Wissenschaft werden jeweils eine Etappe des Gesprächs-Marathons übernehmen.
Hans Ulrich Obrist entwickelte die Idee zum inzwischen etablierten Interview-Marathon als experimentelle Form eines öffentlichen Events, das durch sein offenes Konzept eine Verknüpfung von Vortrag, Diskussion und Performance erlaubt. Der hybride Mix von Persönlichkeiten und ihren Präsentationsweisen lässt die verschiedenen Inhalte miteinander korrelieren und eröffnet neue Zusammenhänge.
Mit der Frankfurter Version eines Dauer-Gesprächs setzt Hans Ulrich Obrist jenes offene Format fort, das als Programm für die Serpentine Gallery Pavillion Commission entwickelt wurde: Seit 2000 präsentiert jährlich ein international renommierter Architekt oder Designer für die Dauer von drei Monaten seine Arbeit. – Ein Konzept, das von der Serpentine Gallery-Direktorin Julia Peyton-Jones veranlasst wurde und als regelmäßige, aber temporäre Struktur die Plattform für künstlerischen wie intellektuellen Austausch bietet. Dementsprechend fand der erste Londoner Gesprächs-Marathon unter Mitwirkung von Rem Koolhaas statt (2006), dann der so genannte Experimental Marathon (2007), Manifesto Marathon (2008), Poetry-Marathon (2009) sowie ein Mini-Marathon in Peking (Jahreswechsel 2008/2009) und Marathon Marathon in Athen (2010).
Dienstag, 11. Januar 2011
Boris Buden
Forensic Aesthetics: Vortrag
Boris Buden: History is a corpse
Donnerstag, 13. Januar, 19 Uhr, Aula
The lecture reports on a case study in which a means of architectural visualisation are deployed to forensically analyse the historical process of desecularization. The method is highly rhetorical and can be directly translated into the liberal theory of secular state. One looks into history with a sort of forensic interest, as into a corpse that can provide useful information for the court proceedings.
Boris Buden is a writer and cultural critic based in Berlin. He received his PhD in cultural theory from Humboldt University in Berlin. In the 1990s he was editor of the magazine Arkzin in Zagreb. His publications cover the topics of philosophy, politics, cultural and art criticism. Recently published: Zone des Übergangs, Frankfurt/Main (2009).
Mit freundlicher Unterstützung durch kulturfonds frankfurt rheinmain und Heinz und Gisela Friederichs Stiftung.
Boris Buden: History is a corpse
Donnerstag, 13. Januar, 19 Uhr, Aula
The lecture reports on a case study in which a means of architectural visualisation are deployed to forensically analyse the historical process of desecularization. The method is highly rhetorical and can be directly translated into the liberal theory of secular state. One looks into history with a sort of forensic interest, as into a corpse that can provide useful information for the court proceedings.
Boris Buden is a writer and cultural critic based in Berlin. He received his PhD in cultural theory from Humboldt University in Berlin. In the 1990s he was editor of the magazine Arkzin in Zagreb. His publications cover the topics of philosophy, politics, cultural and art criticism. Recently published: Zone des Übergangs, Frankfurt/Main (2009).
Mit freundlicher Unterstützung durch kulturfonds frankfurt rheinmain und Heinz und Gisela Friederichs Stiftung.
Anselm Franke
Forensic Aesthetics: Vortrag
Anselm Franke: Boundary Studies - Are there Criteria for the Communication with Things?
Mittwoch, 12. Januar, 19 Uhr, Aula
What is the role of aesthetic processes in drawing the boundaries between what counts as "subjects" or "persons", and "things"? Against the backdrop of a long-term research and series of exhibitions on Animism, Franke will explore different models of accounting for, variously, the "agency", the "social life", or the "language" of things. What are the political blind spots in the divergent protocols that account of things and their role in socio-technologhical networks? What are the models of mediation?
Anselm Franke is a curator and critic based in Berlin and Brussels. From 2006- 2010, he was Director of Extra City Kunsthal Antwerp, Belgium, where he curated exhibitions such Animism (2010-2012), Mimétisme (2008) and Sergei Eisenstein: The Mexican Drawings (2009). Previously, he was curator of KW Institute for Contemporary Art in Berlin, where he co-organized exhibitions such as Territories (2003-2004) and the collaborative project No Matter How Bright the Light, the Crossing Occurs At Night (2006). He was a co-curator of Manifesta 7 in Trento, Italy, in 2008, and is part of the curatorial team of the Forum Expanded of the International Filmfestival Berlin since 2005. He is a guest lecturer at the HISK in Gent, among others, and currently completes his PhD at Goldsmiths College in London.
Mit freundlicher Unterstützung durch kulturfonds frankfurt rheinmain und Heinz und Gisela Friederichs Stiftung.
Anselm Franke: Boundary Studies - Are there Criteria for the Communication with Things?
Mittwoch, 12. Januar, 19 Uhr, Aula
What is the role of aesthetic processes in drawing the boundaries between what counts as "subjects" or "persons", and "things"? Against the backdrop of a long-term research and series of exhibitions on Animism, Franke will explore different models of accounting for, variously, the "agency", the "social life", or the "language" of things. What are the political blind spots in the divergent protocols that account of things and their role in socio-technologhical networks? What are the models of mediation?
Anselm Franke is a curator and critic based in Berlin and Brussels. From 2006- 2010, he was Director of Extra City Kunsthal Antwerp, Belgium, where he curated exhibitions such Animism (2010-2012), Mimétisme (2008) and Sergei Eisenstein: The Mexican Drawings (2009). Previously, he was curator of KW Institute for Contemporary Art in Berlin, where he co-organized exhibitions such as Territories (2003-2004) and the collaborative project No Matter How Bright the Light, the Crossing Occurs At Night (2006). He was a co-curator of Manifesta 7 in Trento, Italy, in 2008, and is part of the curatorial team of the Forum Expanded of the International Filmfestival Berlin since 2005. He is a guest lecturer at the HISK in Gent, among others, and currently completes his PhD at Goldsmiths College in London.
Mit freundlicher Unterstützung durch kulturfonds frankfurt rheinmain und Heinz und Gisela Friederichs Stiftung.
Mittwoch, 8. Dezember 2010
LEONARD KAHLCKE
Performance
"Tokat"
21.01.2011, 19:00h
Ort: Stiftstrasse 34, Frankfurt am Main
Konzeptuelle Herangehensweisen spielen in den interdisziplinären
Arbeiten von Leonard Kahlcke eine wichtige Rolle. Die zunehmende Relevanz der Ästhetisierung in allen Lebensbereichen ist für den Künstler zentral, denn hierin liegen für ihn Formen und Potentiale für symbolischen und politischen
Widerstand. Geschickt infiltriert und attackiert er gesellschaftliche
Normen und deren ästhetische Codes, indem er die herrschenden Codes auch ästhetisch kontert. Diese Taktik ist stilbildend für Kahlckes Werk.
In der performativen Installation für New Frankfurt Internationals
setzt sich Kahlcke mit der Architektur und der
Bedeutung von zentralen und repräsentativen Plätzen der
Innenstadt auseinander. Fotos von Jugendbanden der 1980er
und 1990er Jahre, die er innerhalb der Szene recherchiert hat,
stellt er eigens angefertigte, aktuelle Fotografien von „Repräsentationsarchitektur“
gegenüber. Kahlcke macht in einer narrativen Schau die Phänomene repressiver Raumaneignung visuell erfahrbar. Hierzu Kahlcke: „Es geht um den Wandel der Metropole, die repräsentierende Dominanz von Architektur und Mensch, Zugehörigkeit und Nichtzugehörigkeit, sowie den Machtanspruch auf zentrale Räume der Stadt – oder besser, warum der Kampf um die Innenstadt wichtig ist.“
Leonard Kahlcke wurde 1975 in Frankfurt a. M., Deutschland geboren.Er studierte an der Hochschule für Gestaltung, Offenbach a. M. Er lebt und arbeitet in Frankfurt a. M.
"Tokat"
21.01.2011, 19:00h
Ort: Stiftstrasse 34, Frankfurt am Main
Konzeptuelle Herangehensweisen spielen in den interdisziplinären
Arbeiten von Leonard Kahlcke eine wichtige Rolle. Die zunehmende Relevanz der Ästhetisierung in allen Lebensbereichen ist für den Künstler zentral, denn hierin liegen für ihn Formen und Potentiale für symbolischen und politischen
Widerstand. Geschickt infiltriert und attackiert er gesellschaftliche
Normen und deren ästhetische Codes, indem er die herrschenden Codes auch ästhetisch kontert. Diese Taktik ist stilbildend für Kahlckes Werk.
In der performativen Installation für New Frankfurt Internationals
setzt sich Kahlcke mit der Architektur und der
Bedeutung von zentralen und repräsentativen Plätzen der
Innenstadt auseinander. Fotos von Jugendbanden der 1980er
und 1990er Jahre, die er innerhalb der Szene recherchiert hat,
stellt er eigens angefertigte, aktuelle Fotografien von „Repräsentationsarchitektur“
gegenüber. Kahlcke macht in einer narrativen Schau die Phänomene repressiver Raumaneignung visuell erfahrbar. Hierzu Kahlcke: „Es geht um den Wandel der Metropole, die repräsentierende Dominanz von Architektur und Mensch, Zugehörigkeit und Nichtzugehörigkeit, sowie den Machtanspruch auf zentrale Räume der Stadt – oder besser, warum der Kampf um die Innenstadt wichtig ist.“
Leonard Kahlcke wurde 1975 in Frankfurt a. M., Deutschland geboren.Er studierte an der Hochschule für Gestaltung, Offenbach a. M. Er lebt und arbeitet in Frankfurt a. M.
CLAUS RICHTER
Performance
"The Dog, that knew too much"
4. Februar 2011, 19Uhr
MA* ehemalige Diamantenbörse
Stephanstraße 1 – 3
Richter performt üblicherweise in Kooperation mit Oliver Husain
und Sergej Jensen. Für New Frankfurt Internationals entwickelt
er eine grelle Mini-Solo Show, gespielt mit Hundehandpuppen,
die nur von ihm selbst handelt.
Die Geschichte dreht sich ganz um die abenteuerlichen,
absurden und traurigen Momente, die der gestresste Künstler
an einem Arbeitstag erlebt, besonders im Bezug zu Auftraggebern,
Kuratoren und Galeristen.
Hitzige Diskussionen und konträre Standpunkte werden
auf Hundeart ausgetragen und mit kleinen Kunststücken untermalt.
Eingefasst ist die Performance in ein aus Pappmasche
gebautes Bühnenbild, welches an die flüchtige TV-Entertainmentindustrie
erinnert.
Richters bekanntes Muppetshow-Faible, welches auch seine
früheren Arbeiten inspirierte, nutzt er geschickt, um spielerisch
und phantasievoll Problematiken des Kunstbetriebes
aufzuzeigen. Hierbei werden Hierarchien unter den Künstlern
oder die eigene Glaubwürdigkeit subversiv pointiert. Beware
of the dogs!
Claus Richter wurde 1971 in Lippstadt, Deutschland geboren. Er studierte an der
Hochschule für Gestaltung, Offenbach a. M. Er lebt und arbeitet in Frankfurt a. M. und Köln.
"The Dog, that knew too much"
4. Februar 2011, 19Uhr
MA* ehemalige Diamantenbörse
Stephanstraße 1 – 3
Richter performt üblicherweise in Kooperation mit Oliver Husain
und Sergej Jensen. Für New Frankfurt Internationals entwickelt
er eine grelle Mini-Solo Show, gespielt mit Hundehandpuppen,
die nur von ihm selbst handelt.
Die Geschichte dreht sich ganz um die abenteuerlichen,
absurden und traurigen Momente, die der gestresste Künstler
an einem Arbeitstag erlebt, besonders im Bezug zu Auftraggebern,
Kuratoren und Galeristen.
Hitzige Diskussionen und konträre Standpunkte werden
auf Hundeart ausgetragen und mit kleinen Kunststücken untermalt.
Eingefasst ist die Performance in ein aus Pappmasche
gebautes Bühnenbild, welches an die flüchtige TV-Entertainmentindustrie
erinnert.
Richters bekanntes Muppetshow-Faible, welches auch seine
früheren Arbeiten inspirierte, nutzt er geschickt, um spielerisch
und phantasievoll Problematiken des Kunstbetriebes
aufzuzeigen. Hierbei werden Hierarchien unter den Künstlern
oder die eigene Glaubwürdigkeit subversiv pointiert. Beware
of the dogs!
Claus Richter wurde 1971 in Lippstadt, Deutschland geboren. Er studierte an der
Hochschule für Gestaltung, Offenbach a. M. Er lebt und arbeitet in Frankfurt a. M. und Köln.
MICHELE DI MENNA
Performance
"A performance of motions in large proportions"
29.01.2011, 19:00h
Nur mit Anmeldung unter post@fkv.de
Ort: MesseTurm
60308 Frankfurt
Performance, Skulptur, Text, Collage, Video und Klanginstallation
umkreisen sich in der Kunst von Michele Di Menna, formen
gemeinsam und doch für sich mögliche Welten, in denen die
Künstlerin stets alleinige Protagonistin bleibt – eine Dirigentin
der Form der Dinge, die kommen. Während einige Elemente
ihrer Installation aus festen Materialkomponenten bestehen,
ergibt sich ein Gesamtbild von Flüchtigkeit in Di Mennas Performances,
bei denen alle Elemente Verwendung finden. Von
den Performances bleiben die Kostüme, Skulpturen, Collagen
und Videos sowohl als Überreste vergangener Ereignisse
zurück, als auch als eigenständige Objekte. So funktionieren
die Environments der Künstlerin als flüchtige Erscheinungsformen
eines von Bewegung beherrschten Schaffensprozesses.
Michele Di Menna inszeniert komplexe Situationen, mit
denen sie die Beziehung zwischen menschlichem Körper und
Kommunikation in den Grenzen des architektonischen Raums
auslotet. In ihrer Performance für New Frankfurt Internationals
plant Di Menna die ephemere Erkundung eines mysteriösen
Vorgangs im berühmten Frankfurter Messeturm.
Die Künstlerin wird u. a. den absurden Prestige-Kampf in
modernen Metropolen um die Höhe von Hochhäusern thematisieren.
Ihr besonderer Fokus gilt den architektonisch-spekulativen
Freiräumen, in dem die Kultur auf Ökonomie trifft und
in zweckentfremdeten Spitzaufbauten, wie Antennen, Pyramiden
und aufeinandergestapelte Klimanlagen ihren Ausdruck
finden.
Michele di Menna wurde 1980 in Vancouver, Kanada geboren. Sie studierte am Emily Carr Institute of Art and Design, Vancouver und an der Städelschule, Frankfurt a. M. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Mit besonderen Dank an: MesseTurm Frankfurt am Main
"A performance of motions in large proportions"
29.01.2011, 19:00h
Nur mit Anmeldung unter post@fkv.de
Ort: MesseTurm
60308 Frankfurt
Performance, Skulptur, Text, Collage, Video und Klanginstallation
umkreisen sich in der Kunst von Michele Di Menna, formen
gemeinsam und doch für sich mögliche Welten, in denen die
Künstlerin stets alleinige Protagonistin bleibt – eine Dirigentin
der Form der Dinge, die kommen. Während einige Elemente
ihrer Installation aus festen Materialkomponenten bestehen,
ergibt sich ein Gesamtbild von Flüchtigkeit in Di Mennas Performances,
bei denen alle Elemente Verwendung finden. Von
den Performances bleiben die Kostüme, Skulpturen, Collagen
und Videos sowohl als Überreste vergangener Ereignisse
zurück, als auch als eigenständige Objekte. So funktionieren
die Environments der Künstlerin als flüchtige Erscheinungsformen
eines von Bewegung beherrschten Schaffensprozesses.
Michele Di Menna inszeniert komplexe Situationen, mit
denen sie die Beziehung zwischen menschlichem Körper und
Kommunikation in den Grenzen des architektonischen Raums
auslotet. In ihrer Performance für New Frankfurt Internationals
plant Di Menna die ephemere Erkundung eines mysteriösen
Vorgangs im berühmten Frankfurter Messeturm.
Die Künstlerin wird u. a. den absurden Prestige-Kampf in
modernen Metropolen um die Höhe von Hochhäusern thematisieren.
Ihr besonderer Fokus gilt den architektonisch-spekulativen
Freiräumen, in dem die Kultur auf Ökonomie trifft und
in zweckentfremdeten Spitzaufbauten, wie Antennen, Pyramiden
und aufeinandergestapelte Klimanlagen ihren Ausdruck
finden.
Michele di Menna wurde 1980 in Vancouver, Kanada geboren. Sie studierte am Emily Carr Institute of Art and Design, Vancouver und an der Städelschule, Frankfurt a. M. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Mit besonderen Dank an: MesseTurm Frankfurt am Main
MICHAEL RIEDEL
Performance (mit Daniel Baumann)
„Antrittsrede als neuer Direktor des Frankfurter Kunstvereins 2008”
7.01.2011, 19:00h
Ort: „Oskar-von-Miller Strasse 16“ (Mainzer Landstr. 105, HH)
60329 Frankfurt
2000 gründete Michael Riedel mit Denis Loesch den mittlerweile
legendenumwobenen Ausstellungsraum Oskar-von-Miller
Strasse 16 an gleichnamiger Stelle in Frankfurt, der Ort
an dem auch die Freitagsküche begann. 2006 wurde das Gebäude
abgerissen, was zu einem vorübergehenden Ortswechsel
nach Berlin führte, wo die Oskar-von-Miller Strasse 16 in der
Weydinger Strasse 20 in Berlin-Mitte zu finden war. Seit Anfang
dieses Jahres ist Michael Riedel wieder in Frankfurt.
Für die Ausstellung New Frankfurt Internationals findet in
dem neuen Ausstellungshaus in der Mainzer Landstrasse 105
noch einmal seine Antrittsrede als neuer Leiter des Frankfurter
Kunstvereins statt, die er gemeinsam mit Daniel Baumann am
09. Oktober 2008 im FKV gehalten, und darin eine Neuausrichtung
der Institution Kunstverein formuliert hat.
Michael Riedel wurde 1972 geboren. Er studierte an der Kunstakademie Düsseldorf; der Städelschule, Frankfurt a. M. und
der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris. Er lebt und arbeitet in Frankfurt a. M. und New York
„Antrittsrede als neuer Direktor des Frankfurter Kunstvereins 2008”
7.01.2011, 19:00h
Ort: „Oskar-von-Miller Strasse 16“ (Mainzer Landstr. 105, HH)
60329 Frankfurt
2000 gründete Michael Riedel mit Denis Loesch den mittlerweile
legendenumwobenen Ausstellungsraum Oskar-von-Miller
Strasse 16 an gleichnamiger Stelle in Frankfurt, der Ort
an dem auch die Freitagsküche begann. 2006 wurde das Gebäude
abgerissen, was zu einem vorübergehenden Ortswechsel
nach Berlin führte, wo die Oskar-von-Miller Strasse 16 in der
Weydinger Strasse 20 in Berlin-Mitte zu finden war. Seit Anfang
dieses Jahres ist Michael Riedel wieder in Frankfurt.
Für die Ausstellung New Frankfurt Internationals findet in
dem neuen Ausstellungshaus in der Mainzer Landstrasse 105
noch einmal seine Antrittsrede als neuer Leiter des Frankfurter
Kunstvereins statt, die er gemeinsam mit Daniel Baumann am
09. Oktober 2008 im FKV gehalten, und darin eine Neuausrichtung
der Institution Kunstverein formuliert hat.
Michael Riedel wurde 1972 geboren. Er studierte an der Kunstakademie Düsseldorf; der Städelschule, Frankfurt a. M. und
der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, Paris. Er lebt und arbeitet in Frankfurt a. M. und New York
ADRIAN WILLIAMS
Performance
"At Hand – episode one"
11.12.10, 19:00h
Ort: MMK Vortragssaal
Adrian Williams‘ Arbeiten erzählen Geschichten in Form von
Performances, Tonstücken, Interventionen, Filmen, Objekten
und Papierarbeiten. Sie erfindet fiktionale Charaktere und
bettet diese teilweise in wirkliche Situationen ein. In ihren Performances
verbinden sich Filme, Texte, Sprache, Geräusche,
Musik und Sound. In Zusammenarbeit und Interaktion mit einem
Komponisten, Musikern, einem Geräuschemacher, der mit Hilfe
von Gegenstände und Aufbauten Geräusche imitiert, sowie
einem Schauspieler vertont sie live die Kurzgeschichte At Hand.
Dieses Stück schildert die spannende Geschichte eines
fiktiven Protagonisten, dessen Gepäck am Frankfurter Flughafen
verloren geht, sowie seine Suche und Versuche, dieses Gepäckstück
wiederzubekommen. Der Titel At Hand deutet darauf hin,
dass etwas bevorsteht oder passiert, wie die Performance
selbst oder aber die hierbei erzählten Ereignisse, die vor allem
jene Momente kurz vor einer Begebenheit beschreiben.
Während Williams die Geschichte erzählt, reagieren die
Musiker und der Foley-Editor klanglich darauf und steigern so
die Dramaturgie. At Hand basiert auf der Transkription einer
sechsteiligen Serie, die Adrian Williams in diesem Jahr über sechs
Monate hinweg in einer einstündigen Radiosendung erdachte,
erzählte und performte. At Hand – Episode One ist der erste Teil
dieser Serie.
Adrian Williams wurde 1979 in Portland, Oregon, USA geboren.
Sie studierte an der Pacific North-west College of Art ,Portland, Oregon,USA; der Cooper Union School of Art, New York und
der Städelschule, Frankfurt a. M. Sie lebt und arbeitet in Frankfurt a. M.
"At Hand – episode one"
11.12.10, 19:00h
Ort: MMK Vortragssaal
Adrian Williams‘ Arbeiten erzählen Geschichten in Form von
Performances, Tonstücken, Interventionen, Filmen, Objekten
und Papierarbeiten. Sie erfindet fiktionale Charaktere und
bettet diese teilweise in wirkliche Situationen ein. In ihren Performances
verbinden sich Filme, Texte, Sprache, Geräusche,
Musik und Sound. In Zusammenarbeit und Interaktion mit einem
Komponisten, Musikern, einem Geräuschemacher, der mit Hilfe
von Gegenstände und Aufbauten Geräusche imitiert, sowie
einem Schauspieler vertont sie live die Kurzgeschichte At Hand.
Dieses Stück schildert die spannende Geschichte eines
fiktiven Protagonisten, dessen Gepäck am Frankfurter Flughafen
verloren geht, sowie seine Suche und Versuche, dieses Gepäckstück
wiederzubekommen. Der Titel At Hand deutet darauf hin,
dass etwas bevorsteht oder passiert, wie die Performance
selbst oder aber die hierbei erzählten Ereignisse, die vor allem
jene Momente kurz vor einer Begebenheit beschreiben.
Während Williams die Geschichte erzählt, reagieren die
Musiker und der Foley-Editor klanglich darauf und steigern so
die Dramaturgie. At Hand basiert auf der Transkription einer
sechsteiligen Serie, die Adrian Williams in diesem Jahr über sechs
Monate hinweg in einer einstündigen Radiosendung erdachte,
erzählte und performte. At Hand – Episode One ist der erste Teil
dieser Serie.
Adrian Williams wurde 1979 in Portland, Oregon, USA geboren.
Sie studierte an der Pacific North-west College of Art ,Portland, Oregon,USA; der Cooper Union School of Art, New York und
der Städelschule, Frankfurt a. M. Sie lebt und arbeitet in Frankfurt a. M.
MARIA LOBODA
Performance
"that obscure object (The bad boys of Harvard)"
10.12.10-13.02.11
Ort: entlang der Braubachstrasse, Frankfurt a.M.
Foto: Axel Schneider
Als "The bad boys of Harvard" wurde eine Gruppe von jungen Landschaftsarchitektur-Studenten um Garrett Eckbo und James Rose in Harvard in den 30ern bezeichnet, welche in ihrer Arbeit stark von Gropius, Malevitsch und Moholy Nagy beeinflusst wurden.
Sie widersetzen sich der, bis dato, klassischen Auffassung von amerikanischer Landschaftsarchitektur, dem "Beaux-Art Movement" welches eine dekorative Umsetzung bevorzugte und gelten bis heute als Pioniere eines modernen, radikaleren, sozial orientierten Designs.
James Rose wurde für seine progressiven Ideen von Indoor-Outdoor Gärten sowie einem Schwerpunkt auf geometrischem Design aus Harvard ausgewiesen.
In ihrer neuen in situ Arbeit "The bad boys of Harvard" beschäftigt sich Maria Loboda mit der Idee von radikalen Landschaftsarrangements, sowie der surrealen Ebene welches ein "continuity mistake", eine Erscheinung aus der Filmkunst, die durch Anschlussfehler in der Szenenkoordination oder der Schnitttechnik entsteht, mit sich bringt.
Mehrere, geometrisch geschnittene Buchsbäume, eigentlich ein bourgeoises Symbol, bewegen sich, im wöchentlichen Rhythmus, im öffentlichen Raum um das MMK und den Frankfurter Kunstverein, als eine Art "Wald in Bewegung" - eine "Gang" welche ihre passive Rolle als dekorative Gartenelemente durch Veränderung ihrer Standortes aufgeben und sich der Architektur des öffentlichen Raum in den Weg stellen.
Diese Performance „in flux“, entwickelt ihre Narration schrittweise über die gesamte Ausstellungsdauer. Durch die Veränderung der Position der Protagonisten; der Buchsbäume, spielt Maria Loboda ebenfalls auf die Fehler im Ablauf einer Choreopraphie an.
Bricht der „continuity mistake“ in den Alltag ein, werden die Grenzen von Realität und Fiktion in Frage gestellt. Der Gedanke des Kontrollverlustes über die Phänomene des Alltags, die Erfahrung, dass das „Ich nicht Herr im eigenen Haus ist“ (Sigmund Freud), die Eröffnung eines surrealen Raumes im Stadtraum, ermöglicht dem Betrachter, seine eigene Narration im Verhältnis zu Zeit und Ort neu zu erleben.
Maria Loboda wurde 1979 in Krakow, Polen geboren. Sie studierte an der Städelschule. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Mit besonderen Dank an: Baumschule Peselmann, Bad Homburg
"that obscure object (The bad boys of Harvard)"
10.12.10-13.02.11
Ort: entlang der Braubachstrasse, Frankfurt a.M.
Foto: Axel Schneider
Als "The bad boys of Harvard" wurde eine Gruppe von jungen Landschaftsarchitektur-Studenten um Garrett Eckbo und James Rose in Harvard in den 30ern bezeichnet, welche in ihrer Arbeit stark von Gropius, Malevitsch und Moholy Nagy beeinflusst wurden.
Sie widersetzen sich der, bis dato, klassischen Auffassung von amerikanischer Landschaftsarchitektur, dem "Beaux-Art Movement" welches eine dekorative Umsetzung bevorzugte und gelten bis heute als Pioniere eines modernen, radikaleren, sozial orientierten Designs.
James Rose wurde für seine progressiven Ideen von Indoor-Outdoor Gärten sowie einem Schwerpunkt auf geometrischem Design aus Harvard ausgewiesen.
In ihrer neuen in situ Arbeit "The bad boys of Harvard" beschäftigt sich Maria Loboda mit der Idee von radikalen Landschaftsarrangements, sowie der surrealen Ebene welches ein "continuity mistake", eine Erscheinung aus der Filmkunst, die durch Anschlussfehler in der Szenenkoordination oder der Schnitttechnik entsteht, mit sich bringt.
Mehrere, geometrisch geschnittene Buchsbäume, eigentlich ein bourgeoises Symbol, bewegen sich, im wöchentlichen Rhythmus, im öffentlichen Raum um das MMK und den Frankfurter Kunstverein, als eine Art "Wald in Bewegung" - eine "Gang" welche ihre passive Rolle als dekorative Gartenelemente durch Veränderung ihrer Standortes aufgeben und sich der Architektur des öffentlichen Raum in den Weg stellen.
Diese Performance „in flux“, entwickelt ihre Narration schrittweise über die gesamte Ausstellungsdauer. Durch die Veränderung der Position der Protagonisten; der Buchsbäume, spielt Maria Loboda ebenfalls auf die Fehler im Ablauf einer Choreopraphie an.
Bricht der „continuity mistake“ in den Alltag ein, werden die Grenzen von Realität und Fiktion in Frage gestellt. Der Gedanke des Kontrollverlustes über die Phänomene des Alltags, die Erfahrung, dass das „Ich nicht Herr im eigenen Haus ist“ (Sigmund Freud), die Eröffnung eines surrealen Raumes im Stadtraum, ermöglicht dem Betrachter, seine eigene Narration im Verhältnis zu Zeit und Ort neu zu erleben.
Maria Loboda wurde 1979 in Krakow, Polen geboren. Sie studierte an der Städelschule. Sie lebt und arbeitet in Berlin.
Mit besonderen Dank an: Baumschule Peselmann, Bad Homburg
Montag, 15. November 2010
VASIF KORTUN
Vortrag
Vasif Kortun: Instituting Now [in istanbul]
Dienstag, 30. November 2010, 19 Uhr, Aula
Vasif Kortun is a writer, curator and teacher in the field of contemporary art. He is the founding director of Platform Garanti CAC a non-profit contemporary art institution with an extensive library, documentation center, artist archives, exhibition space and an international residency program for artists, critics and curators. He also founded Proje4L, Istanbul Museum of Contemporary Art [2001- 2003], where he curated seminal exhibitions of artist from Turkey. The first director of the Museum of the Center for Curatorial Studies at Bard College [1994 and 1997], he organized the first U.S. museum exhibitions of artists like Kara Walker, Nedko Solakov and Boris Mikhailov. Vasif Kortun was the chief curator of the 1992, and co-curator of 2005 Istanbul Biennials; a co-curator of Sao Paolo [1998], Second Ceramics Biennial [Albisola, 2003], Taipei Biennial in [2008], He is the curator of the UAE Pavilion, Venice Bienial [2011]. He has curated the Turkish pavilions for 1994 and 1998 Sao Paolo and 2007 Venice Biennials. He is a board member of the Foundation for Arts Initiatives, and sits on the advisory committees of the Periferic Biennial; Artists Pension Trust Dubai, The Gyeonggi Creation Center, Korea, and Broadsheet Magazine Australia.
The lecture will revolve around questions of attempting to institute specificity with a focus on SALT a new program to open in Istanbul in the Spring of 2011.
Vasif Kortun: Instituting Now [in istanbul]
Dienstag, 30. November 2010, 19 Uhr, Aula
Vasif Kortun is a writer, curator and teacher in the field of contemporary art. He is the founding director of Platform Garanti CAC a non-profit contemporary art institution with an extensive library, documentation center, artist archives, exhibition space and an international residency program for artists, critics and curators. He also founded Proje4L, Istanbul Museum of Contemporary Art [2001- 2003], where he curated seminal exhibitions of artist from Turkey. The first director of the Museum of the Center for Curatorial Studies at Bard College [1994 and 1997], he organized the first U.S. museum exhibitions of artists like Kara Walker, Nedko Solakov and Boris Mikhailov. Vasif Kortun was the chief curator of the 1992, and co-curator of 2005 Istanbul Biennials; a co-curator of Sao Paolo [1998], Second Ceramics Biennial [Albisola, 2003], Taipei Biennial in [2008], He is the curator of the UAE Pavilion, Venice Bienial [2011]. He has curated the Turkish pavilions for 1994 and 1998 Sao Paolo and 2007 Venice Biennials. He is a board member of the Foundation for Arts Initiatives, and sits on the advisory committees of the Periferic Biennial; Artists Pension Trust Dubai, The Gyeonggi Creation Center, Korea, and Broadsheet Magazine Australia.
The lecture will revolve around questions of attempting to institute specificity with a focus on SALT a new program to open in Istanbul in the Spring of 2011.
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